Conoce a la organizadora y quinto miembro del comité de selección de eyephoneography #1, Rocío Nogales-Muriel

Con el fin de hacernos una idea mejor de la persona detrás de eyephoneography, pedimos a los cuatro fotógrafos incluidos en el primer photo-event que le enviaran dos preguntas cada uno. Estas son sus preguntas así como sus respectivas respuestas.

¿Quién eres?
Rocío Nogales Muriel. Me considero una “connectora de creatividad” y, entre otras cosas, soy la organizadora de eyephoneography. Mi formación universitaria se centró en la publicidad y relaciones públicas aunque siempre me interesaron la estética y el poder de transformación del arte, tanto para los artistas como para sus audiencias. Los más de seis años que pasé en los EEUU me permitieron combinar mi formación y mis intereses a través de estudios universitarios en gestión cultural e historia del arte y, más tarde, desarrollar una carrera profesional en el mundo del arte. Trabajé en el Pittsburgh Center for the Arts, colaboré con various museos (Philadelphia Museum of Art, Museum of Contemporary Art San Diego), enseñé en la universidad y organicé varias iniciativas culturales y artísticas. A mi vuelta a Europa, viví en Bélgica durante más de cuatro años y comencé a trabajar en el mundo de la investigación académica sobre el tema de la empresa social y el emprendimiento social, a la vez que continuaba participando en proyectos culturales y artísticos. Vivo en Madrid desde hace dos años.
En tu opinion ¿qué pueden aportar iniciativas como ésta al panorama artístico y cultural en España?
Por un lado, pienso que contribuye a poner al día ese panorama artístico y cultural trayendo una forma innovadora de crear imágenes y formar comunidad, llevando además la atención de la comunidad de fotografía móvil a una ciudad española durante unos días. A la vez contribuye a que fotógrafos (aficionados y profesionales) salgan a la luz y se reunan físicamente e interactúen con un público al que sorprende la calidad y la belleza de las imágenes.

¿En qué te basaste para elegir a los cuatro fotógrafos seleccionados para eyephoneography #1? ¿Qué fue lo que más te atrajo de esos cuatro fotógrafos?
En un principio, no pensaba lanzar un proyecto estable sino organizar una exposición como homenaje a mi compañero, Marco La Civita, y a su obra (incluyendo fotografía móvil y tradicional) en reconocimiento a una trayectoria que valoro y admiro desde hace años. Sin embargo, el tener a mi lado a un activo y prolífico fotógrafo móvil me abrió las puertas a una comunidad virtual increiblemente comprometida con esta nueva forma de hacer y compartir fotografía. Tras unos meses siguiendo esta comunidad y viendo el éxito de las primeras exposiciones de “carne y hueso” (exposiciones organizadas por Pixels At An Exhibition, la muestra “iPhoneography and the Automobile” en Milano, o la muestra de EYE’EM en Berlín), el proyecto eyephoneography tomó forma en mi mente y me decidí a aportar mi granito de arena a esta comunidad, complementándola con el aspecto off-line que, a mi modo de ver, enriquecería la experiencia de la fotografía móvil. Así pues, estaba claro que tenía que invitar a la comunidad a través de algunos de sus representantes principales. La elección de los otros tres fotógrafos no se basa en criterios racionales sino en la fuerza de las imágenes y la solidez de su vision. No sólo se trata de imágenes que no me canso de ver y en las que descubro algo nuevo cada vez que las miro, sino que a veces me gustaría no tener que encender un aparato electrónico para tener acceso a ellas.

Los miembros del comité de selección tuvieron que elegir sus imágenes preferidas. ¿Qué fotografía seleccionaste en primer lugar de cada uno de los fotógrafos y por qué?

MissPixels, All Mine
Por un lado, para mi esta imagen resume el estilo formal de la fotógrafa: colores vivos y saturados, mirada curiosa a elementos cotidianos y creación de atmósferas personales. Además nos presenta una declaración de intenciones imposible entre la fotógrafa y el objeto seleccionado (barras de pintura pastel): la elección del iPhone como herramienta de creación artística hace imposible el uso de ese material de creación pictórica tradicional. Esta imposibilidad se acentúa con el título, “All mine”.

Greg Schmigel, The face of a woman
La street photography tiene la capacidad de transportarme a los lugares y a los momentos que retrata, incluso a aquellos que se encuentran lejos. Vi en esta mujer la determinación y la fuerza de una guerrera, una guerrera de lo cotidiano, y vi a la propia ciudad de Nueva York representada en esa lucha por la vida. Además del aspecto emocional, esta imagen me impacta al nivel físico debido al increible ritmo creado por la composición, la gente que pasa y las líneas en el asfalto.

Marco La Civita, Bumpy ride
Narrativamente, esta imagen combina para mi la imposibilidad de lo que hubiera sido una tarea obvia para una bicicleta como resultado de lo movido de un viaje anterior, tal y como se evoca en el título. A nivel compositivo, la considero una imagen genial en la que el blanco y negro revela el increible atractivo de de un elemento urbano que hubiera perdido su raisón d’être si no hubiera sido por el curioso ojo del fotógrafo. Por último, el guiño del autorretrato escondido que se refleja en el marco superior del marco de la bicicleta añade una dimensión lúdica a la composición.

Sion Fullana, Waiting for a text message that doesn’t come
Casi puedo escuchar el ritmo de jazz de fondo en esta imagen. El “blues” está tan presente como lo está la tensión cinematográfica. Todo está congelado en el tiempo y nos preguntamos cómo pudo el fotógrafo captar esta imagen sin alterarla. Sencillamente magnífica.

¿Dónde ve la fotografía móvil o la iPhoneography – como forma artística aceptada – en un futuro próximo?
Pienso que lo más interesante de la fotografía móvil está todavía por llegar. Aún así, no creo que tenga que trazarse un camino o una meta formal sino seguir experimentando y aceptando las limitaciones técnicas como un elemento más del medio, no como un límite a la creatividad. Además, el potencial de crecimiento de la comunidad de fotógrafos móviles es enorme. Aunque el término más comúnmente usado es “iPhoneographers”, poco a poco se van uniendo a esta comunidad usuarios de otro tipo de smartphones. De hecho, hay algunos datos sorprendentes: existen ya billones de usuarios de móviles con cámara fotográfica y el tipo de cámara integrada en estos teléfonos es ya la cámara más utilizada en absoluto. Es apasionante ver cómo principiantes y profesionales de la fotografía conviven sin prejuicios en este espacio con el fin de experimentar, compartir y aprender mutuamente. Mi experiencia con esta comunidad es que quien hace buenas fotos y domina el entorno de las redes sociales se crea un público fiel, en su mayoría también creadores, del que a veces recibe críticas constructivas. No importa quién es el que más ha expuesto o vendido, sólo la fuerza de las imágenes. En este “efecto igualador” de la fotografía móvil reside gran parte de su innovación y supone una refrescante opción a la creación artística institucionalizada. Así pues, vería aconsejable que se incorporaran audiencias no virtuales a través de las cada vez más numerosas iniciativas off-line. Espero que éstas sepan aportar una posibilidad real de intercambio, profundización y aprendizaje tanto a la comunidad de fotógrafos como a las audiencias interesadas en sus creaciones.

¿Cuál es su opinión sobre la importancia de las redes sociales y la visibilidad en Internet en la aparición y el reconocimiento de la fotografía móvil/iPhoneography como una nueva forma de arte?
Las redes sociales han sido fundamentales para la aparición de la fotografía móvil, así como para su reconocimiento por parte de una vibrante comunidad en constante crecimiento. Sin embargo, la consolidación de la fotografía móvil como una “nueva forma de arte” es un tema completamente distinto y aquí me temo que las redes sociales pueden no ser tan bien vistas por el mundo del arte tradicional como agentes de “validación” de la producción artística. Además, aunque esto pueda parecer paradójico, hay problemas de accesibilidad que se derivan del idioma dominante para la construcción del discurso (inglés) así como de los medios de comunicación requeridos para participar en el mismo (smartphones, ordenadores y una conexión a Internet). En este sentido, creo que en lugar de centrarse en la selección de efímeros “fotógrafos móviles del día “, sería interesante dar a conocer el increíble trabajo respaldado por sólidas visiones que se están creando, así como su contribución al lenguaje artístico de la fotografía.
Como comisaria dando una oportunidad a este nuevo campo, ¿qué es, en tu opinion, necesario para que otras galerías y centros de arte empiecen a tomar la fotografía móvil/iPhoneography como una nueva forma de arte más seriamente? ¿Qué les dirías para animarles a que nos den una oportunidad a todos?
No sé ni siquiera si es deseable que otras galerías o centros de arte tomen más en serio la fotografía móvil como nueva forma artística. De hecho, pienso que son casi dos mundos antagónicos en los que están presentes lógicas opuestas (expositivas, creativas, interactivas, etc.). La fuerza de la fotografía móvil reside principalmente en su vertiente on-line, por lo que creo que sólo aquellas instituciones que admitan el papel de Internet como herramienta válida de creación artística y puesta en común entre determinadas comunidades, comenzarán a incluirla en sus programas. En cualquier caso, la fotografía móvil esconde por el momento un importante as en la manga: el efecto sorpresa de la audiencia cuando se confronta con el resultado final de la imagen impresa. Y no hay que olvidar que esta audiencia incluye tanto el público en general como profesionales del arte.

Nombra una obra de arte (pintura, fotografía, escultura, instalación…) que te encante/guste o admires. ¿Dónde podemos verla y qué fue lo que te emocionó de esta pieza?
Si tratara de hacer una selección de aquellas obras de arte que me han impactado sería demasiado larga. Así pues, déjame que te responda concentrándome en una obra de arte que me ha emocionado hasta hacerme llorar recientemente. Se trata de la serie fotográfica de Emilio Morenatti sobre la violencia de género en Paquistán incluida en la exposición Fotopress “la Caixa 09” del CaixaForum Madrid. A pesar de que se clausuró el domingo 22 de agosto, es posible ver un vídeo con la presentación de las imágenes. Aunque la serie fue realizada en 2008, es doloroso ver que no sólo la situación está lejos de mejorar, sino que lo mismo acontece en otros países como Afganistán, tal y como lo muestra la imagen tomada por Jodi Bieber de Aisha, la mujer afgana que apareció en la portada de la revista TIME el pasado mes de agosto. Más allá del poderoso acto de condena social articulado en la serie de Morenatti, me impactaron la belleza, la riqueza de color y de detalle presentes en los primeros planos de estas mujeres (la mayoría de ellas muy jóvenes). Las historias de resistencia personal de estas mujeres destila una energía y un orgullo increibles. A pesar de que al principio la violencia que sufren lo cubrió todo para mi –  sintiendo como un puñetazo en el estómago – su presencia delante de la cámara les permitió mostrarme, mostrarnos, quiénes son realmente.

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